John Gallagher Interview
2nd October 2020
Q:So, I have to say, a killer album!
JG:Oh yeah. We knew we had a good one just from the songs and it was just climbing literally to the top of the mountain to get it done. The stars were aligned but we had to get the JCB out and kick them down the road a little bit. It was long and involved but well worth the effort I think. I think it:s the best thing we’ve ever done.
Q:ニュー・アルバム最高です！
JG:そうだね。曲を書いた時点からわかっていたけれど、完成したら、文字どおり山の頂上に登った感じだった。うまく進んだものの、進むには重機が必要だったよ。長く入り組んだ道だったけど、頑張った甲斐があった。俺たちの最高の作品になったと思う。
Q:I would certainly say it’s in your top three and don’t ask me to name your top three because I’m not going to do it.
JG:No no no. It’s a no-win situation when you’re going up against people who have got albums that they’ve grown up with for thirty or forty years and they think they are really really good. You know, imagine if Zeppelin got back together right now; it might be great but realistically, would anyone go ‘It’s better than anything they’ve done before.’
Q:間違いなくあなたたちのトップ３に入るアルバムです。他の2枚が何かは聞かないで欲しいですが。
JG:もちろん聞かないよ。若い頃から30年も40年も聴いてきて、その人がとても気に入っているアルバムに対して異を唱えても仕方がないから。仮に今、ツェッペリンが再結成をしたとする。もちろん、それは素晴らしいだろうが、現実問題、新作を過去の作品よりも良いなんていう人はいないだろう。
Q:True.
JG:It’s very hard to go up against that but I just think that for a band that’s been around for donkey’s years like we have, to come up with something this good at this point is...aah...unusual! (laughs) Let:s put it that way.
Q:その通りですね。
JG:それを覆すのは本当に難しいけれど、俺たちみたいに長い間活動しているバンドが、ここまで良い作品を作るというのは、うーん、そうだな、普通のことじゃない（笑）、と言っておこう。
Q:Well I listened to it again this afternoon and the elements that bring it together are quite incredible. Mike’s drumming is sublime in places.
JG:Oh yeah he was completely nuts on it which was the direction from the get-go with Mike. It was ‘Go nuts, we can always pull you back if we think it’s too much’ and to my mind, it works. It sets the pace, initiates the energy and I like to hear music where the drummer is actually doing stuff. I like Fusion, I like Rush...all the classic bands I grew up with, the drums were not just playing 4/4 through a bunch of samples you know. (laughs)
Q:今日再び聴いてみたのですが、信じられないような内容です。マイクのドラミングは本当に素晴らしいですし。
JG:マイクは完璧にクレイジーなドラミングをしたけれど、これは最初から狙っていたんだ。「クレイジーにやってくれ。やりすぎだと思ったら、いつでもストップをかけるから」って。うまくいったと思うよ。それでペースが決まって、エネルギーが生まれた。俺はドラムが色々とやっている音楽を聴くのが好きなんだ。フュージョンとかラッシュとか、子供の頃から聴いていたクラシックなバンドは、ただずっと4/4を同じように叩き続ける訳ではなかったよね（笑）。
Q:We can go into that in depth at length - and we will do one day - about Carl Palmer, Bill Bruford and Alan White and their peers so I understand what you are saying.
JG:Absolutely and even when people would go ‘Well John Bonham, he’s just a bruiser...’ no, there was finesse, technique, light and shade and parts. You would wait for the parts just like you would wait for the guitar solo, you would wait for those fills. It’s like the Rush thing with Tom Sawyer (John sings a couple of phrases from Tom Sawyer), those are the fun parts. To put signature parts in, that’s very much part of what Mike does and a big part of what we needed with these songs and it took them to somewhere else.
Q:この話題はいくらでも深掘りできますね。いつかやりましょう。カール・パーマーやビル・ブルーフォード、アラン・ホワイトとか。あなたの言っていることはよくわかります。
JG:その通りさ。「ジョン・ボーナムは、ただ乱暴に叩いているだけ」なんていう人もいるけれど、とんでもない。彼には技巧、テクニック、明暗なんかもある。ギターソロを待ちわびるみたいに、聴きたくなるフィルがある。ラッシュの「トム・ソーヤー」にも面白いパートがある。マイクらしいパートを入れることが、俺たちの曲に必要だったんだ。おかげで一段とレベルの高いものに仕上がったよ。
Q:It certainly did. You’ve done an awful lot of publicity for this album - I think I read fourteen interviews before tonight...
JG:Oh there’s more than that and there’s probably thirty or forty reviews and one of them runs hot and cold - one of them! (laughs) I remember way back when we did Rock Until You Drop (1981) and we got a 5 Star review in Sounds and I said to Mark ‘ We should enjoy this right now because I know for a fact we will never see that again’. I was thinking that there was nowhere to go but down (laughs). We are a little polarizing usually so to get this is icing on the cake.
Q:その通りですね。インタビューもたくさんやっていますよね。もう１４本くらい読みました。
JG:もっとやっているよ。レビューも30か40くらい出ていて、1つだけ内容がころころと変わっているものがあった。一つだけね（笑）。『Rock Until You Drop』を出した当時、サウンズ誌で5点満点がついていてね。マークに「じっくり嚙みしめよう。こんなことは二度とないだろうから」なんて言ったものさ。下がっていくだけだと思っていたから（笑）。こういう喜びを得るには、俺たちはいつも両極端だったからね。
Q:Researching for this interview, because you have already done so many it’s difficult to find something you haven’t been asked so the I’ll just go with this; is there anything you haven’t been asked about this album that you thought you would have been asked?
JG:Ooh...a lot of the questions have been pretty samey. One or two of the guys was more of a podcast thing where it was open and more of a conversation which is usually better because you get better stuff.
Q:インタビューにたくさん答えているので、まだ聞かれていない質問を探すのが難しかったので、こう聞きます。アルバムについて、聞かれるべきなのに、まだ聞かれていない質問はありますか。
JG:うーん、ほとんどの質問は似たり寄ったりだからね。ポッドキャストみたいな感じの1つか2つはもっとオープンで、普通の会話があって、そういうのが良かった。
Q:Glad you said that as that’s exactly what I want to do here. Before we do that that though, on the album, I adore the artwork.
JG:That was a thing from the get-go as well. I thought the artwork on the last one was pretty good, we did well and Mike had the idea for a T.shirt, a kind of comic book thing with us running and a city exploding behind us and this guy was drawing it and every time he did it, it looked like Mike but it didn’t look like Mark. Mark looked like the Hulk and I looked like somebody else. I’d say ‘That’s not his face’ and the guy would get all stroppy and upset. He was an artist, being contracted to do work and we said ‘Just do what you’re freaking told!’ but no, it was temper tantrums and stuff and eventually we said screw this guy...’do us all a favour and take your easel to the left bank’. So that went away and then we were thinking about the album and Mike said we should revive the idea and do it like a comic book. ‘That’s brilliant! I’m into that!’ and we all just chipped in a bunch of ideas. Again we had to go through a bunch of artists to find a couple that were at least amenable to suggestion and it was a little bit of backwards and forwards but we came up with the concept of a piece of artwork for each song and then the ‘Thank You’s’ as an advert page like in the old Marvel comics so I got to do little doodles of the X-Ray Specs guy and and Explorer guitar and a bass drum and it’s ‘Wow! I’m actually drawing on an album cover for the first time in ten thousand years - that’s fun!’ We saw it but to actually get the finished product, I was blown away! It’s different, the colours pop, it stands out, it’s not another dreary cover with some skeleton on a horse cutting up something.
Q:私がやりたいのもまさにそういう感じなので良かったです。普通の会話に入る前にもう1つアルバムについて、アートワークをとても気に入りました。
JG:あれも最初から決まっていたんだ。前回のアルバムのアートワークもとても良かったと思っていたのだけど、マイクがコミックブックのような、俺たちが走っていて後ろで爆発が起こっている柄のTシャツを作りたいというアイデアを持って来たんだ。ところが、出来上がってみると、マイクは良いのだけどマークが全然似ていなくてハルクみたいだし、俺も別人だった。「マークはこんな顔じゃない」と言ったら、アーティストが怒ってしまってね。契約して仕事をしているんだから、「言われたようにやりやがれ！」と言ったんだけど、ダメだった。癇癪を起こして、だからもういいよと。頼むからイーゼルを持ってリブ・ゴーシュ（芸術家の溜まり場）にでも行ってしまえと。そのアイデアはボツになったのだけど、アルバムについて考えている時に、マイクがあれを復活させよう、コミックブックみたいなアートワークにしようと。「それはいいね。気に入った」ということで、みんなでアイデアを出し合ったんだ。少なくとも提案を素直に聞き入れてくれるアーティストを見つけるまで、随分とたくさんの人に当たったよ。それぞれの曲やサンクスリスト用のアートワークのコンセプトも考えてね。サンクスリストは、マーヴェル・コミックスの広告ページみたいにしたくて、X線メガネとか、エクスプローラーのギター、バスドラの絵なんかをざっと描いて。「ワオ、数万年でバンドをやってきて、初めて自分でカバーを描いたぞ、これは面白い」なんていう調子で。出来上がった作品を見たら、ぶっ飛んだね！他とは違って色もポップで、突出している。馬に乗った骸骨が何かを切り裂いているなんていう、ありきたりのつまらないやつではなく。
Q:Spot on John.
JG:Those Power metal covers are so interchangeable within bands, it’s crazy. It’s like there’s just one guy drawing them all.
Q:まさにその通りですね、ジョン。
JG:ああいうパワー・メタル風のカバーは、バンド同士で交換してもわからないからね。クレイジーだよ。1人がすべて描いているみたいで。
Q:I got the vinyl version and the quality of everything is gorgeous, right down to the paper of the inner sleeve and there’s so many little things on there that you spot the third or fourth time around looking at it. This is in the old fashioned sense, artwork.
JG:Yeah we’ve all had albums like that where it was an immersive experience. You’d sit and listen and look and read the lyrics, look at the photographs and you appreciated that whoever it was who put the effort in. Usually the best ones were the live albums so you had Rush (All The World’s A Stage), Uriah Heep Live with the program in ...those kind of things. Otherwise you would see one or two items and you would look at it and it would spark your imagination slightly but to have a stand-alone piece of art, it just adds to the whole thing.
Q:私はLPを持っていますが、すべてのクオリティがゴージャスです。インナー・スリーブの紙質とか。細かいところもたくさんあって、三度目か四度目で初めて気付くこともあります。こういうのは昔ながらのセンスですよね。
JG:そうやってアルバムを眺めたものだよね。すっかり没頭して。座って聴きながら、歌詞を読んだり写真を眺めたり、作ってくれた人に感謝をしたり。たいていはライヴ・アルバムが一番良かった。ラッシュとか、ユーライア・ヒープのライヴはプログラムが入っていていたり。音楽だけでもイマジネーションを掻き立てられるけれど、アートワークや歌詞カードなどが加わると、それらすべてで一つの完成品になるからね。
Q:Well it’s tangible and I’ve seen a couple of reviews that say you could be back in 1982 with this record and I think that’s a fair comment in some ways but I also think that it misses a couple of things in that you wouldn’t have drumming like that in 1982 and that although this is Raven , it’s a much more...I’m not sure mature is the right word - learned maybe - Raven.
JG:Yeah it’s us further down the road. Like fine wine that hasn’t been opened, we’re just a little better at what we do. With the speed of some of the songs and the arrangements, we let them go a little crazy but they are reigned in. There is only one song of any length - one of them is two and a half minutes - but even with the three and four minute songs there are a lot of twits and turns and that was our mission from the get-go, hit them with hooks and structure and then reel them in and hit them with some left turns because if you hit them with left turns all the time, it becomes Jazz Rock and if you don’t put any in, then it’s just four-on-the-floor boom boom boom which is great but how many people are doing that? We like to play, like to have fun and it just translates into that. So there is a spirit and a feel that has been plugged into 1982 but you wouldn’t get a record that sounded like this anywhere back then. The great thing is as well, it’s transparent. It’s not like an obvious :this is produced’ which is one of the things of Extermination (2015); it was a little heavy handed on the compression and the reverb. To me, when I hear something new, your brain is thinking ‘What does it sound like?’ and if it’s a good album, that lasts for a second or two and then I think ‘Ok, they’ve got it together, now let me listen to the music.’ The only thing that distracts from good music is bad production and everyone is a critic, an engineer or a producer saying ‘Oh I don’t like the drums on this’ but you have to get past that and the best way to do that is to have a good sound and this sounds real. You can listen to the live album we did last year (Screaming Murder Death From Above 2019) and hear this and there are parallels. Yes it’s cleaner and more produced but it’s the same animal.
Q:それはわかります。あと、このアルバムは1982年に出ていてもおかしくないような作品だというレビューをいくつか目にしたのですが、これは一理あるとは言え、いくつかの点を見逃しているように思います。1982年にはあんなドラミングはありませんでしたし、レイヴン自身も、何というか、成熟したというのが適切な言葉がわかりませんが、色々と学びましたよね。
JG:俺たちもずっとやって来たからね。未開封の高級ワインみたいに、少し成長している。いくつかの速い曲やアレンジメントについては、少しクレイジーにやったけれど、それらはきちんとコントロールされているし。長いのは1曲だけ、2分半の曲もあるし、3−4分の曲であっても、たくさんひねりがある。これは最初からの狙いで、曲にはフックを持たせるようにして、そして時々予期しない変化を入れ込む。変化ばかりだとジャズロックになってしまうし、まったく入れないとただの四つ打ちみたいになってしまう。それはそれで悪くないけれど、そんなことをする人は多くない。俺たちは楽しんでプレイしたいからね。そうなるとそういうやり方になるんだ。1982年と精神的、感覚的なつながりはあるけれど、当時あんなレコードは無かった。やはり素晴らしいのは、これが作り込まれすぎていない作品だということ。『Extermination』は、少々プロデュースされた作品だという感じになってしまった。コンプとリバーヴが少々かかりすぎで。俺の場合、新しいものを聴くときに、脳がまず「音質はどうか？」と考えるんだ。音質が良ければ、1-2秒後に「よしわかった、次は音楽を聴いてみよう」となる。良い音楽の妨げとなる唯一のものは粗悪なプロダクションで、みんなが評論家、エンジニア、プロデューサーみたいに「ああ、このドラムの音が気に入らない」なんて言うからね。良いサウンドにするのが一番なんだ。去年リリースした俺たちのライヴ・アルバムと今回のアルバムを比べれば、類似点があるのがわかるはず。確かに今回のアルバムの方がクリーンでもっと作り込まれているけれど、同じアニマルであることに変わりはないよ。
Q:Produced by Raven is the credit on the album and it opens with that terrific drum bash panning right across the speakers but it also has depth. That’s pretty hard to find someone who can do that i this day and age.
JG:It is! Our initial mixes didn’t sound anywhere near as good and we were kind of down in the dumps about it so we needed to spread our wings and look outside where we were. Michael Wagner did an awesome job of engineering the stuff and then the mix just wasn’t there. It’s an intangible thing but it didn’t have that kick in the booty that you want so we farmed it out to bunch of people and asked if they could do a test mix on it and a couple of guys were good but this guy Zeuss was really good. We went and forwards with him a little bit but without discussing a great deal, he kept that old school feel but brought it into the 21t century without being heavy handed so it’s not the loudness wars, it breathes, it’s got dynamic range and it just sounds really really good!
Q:クレジットではプロデューサーはレイヴンになっています。アルバムは素晴らしい左右に広がった、そして深みのあるドラムで始まります。この時代、こんなやり方をする人はなかなかいないと思うのですが。
JG:その通りさ！最初の頃のミックスでは、まったくこんな素晴らしいサウンドにはなっていなくて意気消沈していたから、翼を広げて外に目を向ける必要があったんだ。マイケル・ワーグナーはエンジニアとして素晴らしい仕事をしてくれたけれど、ミックスは含まれていなかったんだ。形にはなっていたけれど、欲しかったパンチがなかったから、多くの人にテスト・ミックスをやってもらった。良い仕事をしてくれた人は何人かいたけれど、やっぱりゼウスが本当に素晴らしくてね。それで彼とやることに決めて、だけど多くは話しあうこともなく、彼はオールドスクールな感触を残しつつ、音圧を上げすぎずに21世紀のクオリティにしてくれた。だから、音圧戦争にもなっておらず、息をする余地がある。レンジもダイナミックで、本当に良いサウンドだよ！
Q:I have the vinyl and it’s top notch even on that.
JG:That’s good. Doing the mixes, we stuck it on a boombox, played it in the car, burned it to a CD, iPods, Laptop and it even sounded good on iPhone speakers. You’ve got to play it on junk and if sounds good on junk it will sound amazing on the good stuff. You’ve got to play it on all those things because it’s very easy to get locked in a little bubble. I remember when we recorded Architect Of Fear (1991) in Germany and the engineer did his mix and we took it to a kind of club-pub-restaurant and he put it up on the DJ thing, the big speakers and he was mortified! There was way too much low end and he was blowing stuff up! He went out on a bender, he was persona non grata for eighteen hours, lying undeer the mixing desk saying ‘I couldn’t belieeeeve! I couldn’t belieeeeve!’ It was like somebody had shot his daughter or something and we were just like ‘It’s just a freeking mix mate...let’s just fix it and move forward.’ Mixes are very technical but at the end of the day, it’s the organic factors that makes them good. A lot of people will do a mix and it’s very stagnant with the drums here and the guitar there and in a snapshot, that’s great but through a whole song, if you leave it like that, it’s as boring as shit. My thought is, there’s a bass fill so feature it, a guitar solo, feature it; this part is heavy so bump the rhythm guitars and you may have to do things to initiate that. You may have a third guitar that will just play on the chorus or the big heavy riff but a record has to be active and moving, flowing up and down in the same way you sequence a record, it’s got to have flow.
Q:LPの音質も最高ですよ。
JG:それは良かった。ミックス中、ラジカセで聴いたり、車でかけたり、CDに焼いたり、iPodやノートパソコンでも聴いてみたけれど、iPhoneのスピーカーでも良い音だったんだ。ゴミみたいなもので聴いてみて良いものだったら、もっと良い機材ではさらに素晴らしいサウンドになる。色々なものでかけてみないと、簡単に勘違いしてしまうからね。ドイツで『Architect Of Fear』をレコーディングした時のことを覚えている。エンジニアがミックスしたものを持って、クラブ・パブみたいなレンストランでDJ用の機材でかけてみたんだ。でかいスピーカの。それで彼は大恥をかいてしまった。あまりに低音が出過ぎていて、スピーカーが飛んでしまったんだよ。それで彼は深酒をして、18時間も不機嫌で、ミックス卓の下に横たわって「信じられない！信じられない！」って言いながら。まるで娘を撃たれたみたいな感じだったから、「たかがミックスじゃないかよ。修正して先に進もう」って。ミックスというのはとてもテクニカルなものであるけれど、結局は音質をよくするオーガニックな要因なんだ。多くの人は、ドラムはここ、ギターはここと固定してしまう。スナップショット的にはそれでも良いかもしれない。だけど、曲を通じてそんなだと、本当に退屈になる。俺の考えは、ベースのフィルがあるからそれをフィーチャしよう、ギター・ソロ、これもフィーチャしよう、ここはヘヴィなパートだからリズムギターをぶつけよう、みたいに色々やるべきなんだ。サビやヘヴィ・リフのパートだけに3本目のギターが出てくるかもしれないし、レコードというのはアクティヴで動きがあるものでなくてはいけないんだ。流れがなくてはいけないんだよ。
Q:I was going to ask you about that. We are from a generation where you had a beginning and an end of side one and a beginning and an end of side 2; both beginnings and endings being very important as the beginnings had to grab you and the endings had to make you want to flip the record over. When I listed to the album (vinyl as I mentioned earlier), I thought you had sequenced this, for vinyl, rather than CD. Am I right?
JG:Not 100% but the lengths and ten tracks automatically makes it fall into 5+5. Going back to Extermination, it was technically a double album with the amount of music on it which is nuts. I think you can only sustain a double album if you have some sort of concept going on, a narrative to make you go through that. I’m not a great of the Red Hot Chili Peppers but they put out an album called Stadium Arcadium (2006) and it seemed as if it would take six months to get from one end to the other. In small bits, they were all really good songs, good playing but it just went on and on and I can’t be dealing with that and that was the one complaint we had about Extermination - it was a few songs too long. Initially I was defensive of that but it sits and I thought ‘Maybe they’ve got a point’. There’s a comfort factor and also the attention span and it’s also as you were saying, a throwback to when we were kids when albums were 35 or 40 minutes long, you could get your hands around it and when it finished, you wanted to put it on again. So yes we had that from the get-go that it would be ten songs and since we had so many songs written, we were able to pre-sequence it. What’s a great opener? Well have this one, this one and this one so we chose one and see how it flowed. We wanted a 1-2-3 punch at the front by starting hard, going harder and then backing off a little bit, change pace, go back, etc and then the big epic song which just had to finish it because if you stick it in the middle, it sucks the life out of it and if you put at the end where it belongs, everything builds up to that. We always have a lot of songs and we are lucky and prolific that way but for this one, we had an awful lot of songs! (laughs)
Q:そのことについて聞きたかったのですが、私たちの世代はA面の始まりと終わりがあって、B面の始まりと終わりがあって、それぞれの面の始まりと終わりはとても重要でした。始まりで気持ちを掴んで、終わりでレコードをひっくり返させる。そういう意味で、今回のアルバムはLPを意識しているように思ったのですが。
JG:特にそういう訳ではない。この長さで10曲だから、自然と5曲ずつという感じになるからね。『Extermination』は、2枚組になるくらい曲がたくさんあったんだ。だけど、何かコンセプトや物語でもないと、2枚組を聞き通すのは難しいと思うんだ。俺はレッド・ホット・チリ・ペッパーズの大ファンという訳ではないのだけれど、彼らの『Stadium Arcadium』というアルバムなどは、聞き通すのに半年かかるように感じる。それぞれの曲や演奏はとても良いのだけれど、これが続くとさすがに我慢できなくて、それが『Extermination』の1つの不満でもあった。アルバムが長すぎたんだ。最初は擁護をしていたけれど、そういう意見も正しいのではと思うようになった。心地よい要因、注意持続時間というものがあって、俺たちが子供の頃は、アルバムは35分〜40分くらいで、聴き終わるともう一度聴きたいと思ったものだよね。だから今回は最初から10曲にしようと思って、たくさんの曲が出来上がっていたから、前もって順番を決めることができたんだ。素晴らしいオープニングナンバーはどれだろう？よし、これだ。そしてこれ、と並べて流れを確認した。最初に1-2-3パンチが欲しくて、ハードで始まって、もっとハードになって、それから少し引いて、ペースを変えて、みたいな。そしてラストにビッグでエピックな曲を置く。もしこれが途中にあると、生命が抜けてしまう。正しくラストに配置すれば、すべてがそこに向かって進んでいく。俺たちはいつもたくさん曲を書くタイプで、ラッキーにも多産なのだけど、今回に関しては曲がたくさんできすぎで困ったよ（笑）。
Q:You say lucky; I’ll say fortunate because you have all that experience to write.
JG:Yeah I was just writing like a crazy man! There was brand new ideas and I just kept rattling them out but there were also a couple of older ones. Top Of The Mountain was one of those that had been floating around for a year or two and I just couldn’t finish it. I had a couple of great riffs, didn’t have a chorus and it was frustrating because I knew there was a really great song in there. I’d play like the 49th version to Mark and he’d say ‘Are you still trying to finish that damn song?’ but then I played it to Mike and he said ‘That’s awesome. That’s your blueprint right there - the old and the new.’ Then we played it and it was like woooah...and so when we started touring with Mike and decided to play a new song that will be on the record, we decided on that one and it’s a good way to see how the engine is running by seeing what the reaction is. There’s an honest reaction right off the bat and when you get to the second chorus and everybody’s fist in the air you know you’ve done the right thing.
Q:“lucky”と言いましたが、私は”fortunate”と言いたいです。あなたは作曲の経験を多くしてきたわけですから。
JG:そうだね。狂ったように曲は書いてきたから。新しいアイデアもたくさんあるけれど、今回いくつか古い曲もあるんだよ。「Top of the Mountain」もその1つで、これは1-2年仕上げられなかったんだ。良いリフだけどサビができなかったりで、良い曲になることはわかっていたからとてもフラストレーションが溜まったよ。マークに49番目のヴァージョンを聴かせたら、「まだこの曲仕上がってなかったのかよ？」って。マイクに聴かせてみたら、「これはすごい。青写真は出来上がってるよ。古くて新しい」って。それでみんなでプレイしてみたら、ワオ。だから、マイクとツアーするようになって、レコードに入る予定の新曲をプレイすると決めた時は、リアクションを見て曲のでき具合を知ることができた。すぐに素直なリアクションがあるからね。２回目のサビでみんなが拳を突き上げていたら、正しいことをやっている証拠さ。
Q:I want to move on to a couple of other things John. First up, what’s your opinion of analogue vs digital?
JG:Yeah back when Diana Dors ruled the earth.Well digital is just so much easier. Literally, just before I talked to you, a friend of mine is doing a tribute thing for some sick kids and he asked if I would play bass on it and I said yes and did it in five minutes because I have my little box here, a laptop, digital audio workstation program so I plugged it in and boom boom boom. I had made a couple of mistakes but you can wind back hit record and boom it’s done. You couldn’t do that before. Maybe you could have a Revox in your house or something but for the convenience factor, it’s astonishing. They have got the all sounds that with a competent engineer who knows what he’s doing can nail it and Michael Wagner will tell you that and he was Mr Analogue through and through! He’ll tell you ‘No, why would I want to do that when I can get all the sounds I want from this?’ It’s just another tool and you can get all those fat analogue pushing into distortion sounds. I remember when we did Stay Hard (1985) and Michael comes in with his china-graph pencil, goes to the VU meters on the Studer 24 track recorder and he puts a line on them which was like +9db (laughs) You know you had the black line and then the red and he was half an inch past that saying this was where it had to go for the drums. You have to hit the drums that hard to get that natural compression but you can do all that with these plug-ins that imitate it and do a great job. Then there is the dark side which is that everything is gridded out, the autotune factor where you are out of tune but the attitude is ‘I can fix that later’. That happened a few years ago when I was singing something a little flat and the guy said ‘just hang on a minute’ and he fixed it and I thought ‘Oh...that’s not good’ because it was perfect! I got him to take it off because I wanted to say that I did it and not that it was twisted into form but they’ve been playing with this stuff for years. I remember hearing that there was a Pretenders album with Bob Clearmountain working on it and he had an Eventide Harmonizer which is low-tech compared to what they have now and Chrissie Hynde was a little out of tune and he was just riding it - here and there bending her into pitch. Ouch...no no no no no. Then there is the easiness of something like say if in a recording, you think you played guitar on a verse 1 really well, then you think ‘Ok, let’s just copy that and put it on verse 2’ because we are on a click track and on a grid’. Now, this album was done on a click track but the way Michael does a click track is that we send him guitars playing to a click so he can hear what the hell is going on and he will play it and go ‘Well naturally this should be faster, this should pull back, this is the exciting part and this is where it is going to stop’ so he builds all that in to a framework. Then I go ‘Ok, I don’t like this part, I’m going to do it again’. I might try fifteen different things then and it’s basically what bass players, vocalists and guitar players have been doing for years. The poor drummer had to play all the way through right or at least close to right so this way it gives the power back to the drummer in order to be creative.
Q:いくつか他にも聞きたいことがあります。アナログvsデジタルに関してはどう考えますか。
JG:ダイアナ・ドースが地球を支配していた頃は…うーん、デジタルは簡単だろ。このインタビューの前に、友人が病気の子供たちへのトリビュートをやるということで、ベースを弾いてくれないかと頼まれた。イエスと言って、5分でやったんだ。この小さなボックスとノートパソコン、デジタル・オーディオ・ワークステーションのソフトがあれば、線を繋いで演奏するだけ。いくつかミスもしたけれど、巻き戻してまたプレイすればいいだけ。以前はそうはいかなかった。Revoxなんかあったかもしれないけれど、便利さという点では驚きだよ。優秀なエンジニアと同じようなサウンドも簡単に得られてしまう。マイケル・ワーグナーはまったくのミスター・アナログだからね、「いやいや、これで好きな音を出せるのに、何でそんなものを使わなくてはいけないんだ？」と言うだろうけれど。デジタルもツールにすぎず、歪ませることでアナログでもファットなサウンドが出せるんだから。『Stay Hard』をやった時のことを覚えているよ。マイケルが油性鉛筆を持ってきてね。スチューダーの24トラック・レコーダーのところに行って、+9dbあたりに線を引いたんだ（笑）。メーターには黒い線と赤い線があって、その赤い線を数センチ超えたところに線を引いて、「ドラムはここまで来ないとダメだ」って（笑）。自然なコンプを得るために、そのくらいハードにドラムを叩かなくてはいけなかったんだけど、今ではプラグインでそれができてしまうからね。もちろん悪い面もあって、AutoTuneなんかのおかげで、ピッチがずれていても「あとで直せばいいや」みたいな態度になってしまう。数年前、俺の歌が少しフラットしていた時に、「1分待ってくれ」って言われてね。エンジニアが修正をしてくれたんだけど、「これは良くないぞ」と思ったんだ。あまりに完璧になりすぎていて。それで修正をやめてもらったんだ。捻じ曲げて型に押し込んだのではなく、自分でやったと言いたかったからね。でも、彼らは何年もそういうやり方をやってきたんだ。ボブ・クリアマウンテンがやったプリテンダーズのアルバムを聴いた時のことを覚えてる。今に比べるとずっとローテクのイーブンタイドのハーモナイザーを使っていてね。クリッシー・ハインドが少々調子外れだったのだけど、それを彼がピッチをあちこち捻じ曲げて。それはやってはダメだよ。それからレコーディングで１回し目のギターがうまくプレイできたら、「クリックも使っていることだし、そのまま２回し目にコピペしてしまおう。」なんていう安易さもある。今回俺たちもクリックを使ったけれど、マイケルのやり方は、クリックに合わせて弾いたギターを彼に送って、それを彼が聴いて「うーん、ここは当然もっと速い方がいい。ここは少しゆっくりにして、ここはエキサイティングなパートで、ここは止まるところ」なんていう感じでフレームワークに入れるんだ。そして今度は俺が「オーケー、このパートは気に入らない。もう一度やり直すよ」なんていう感じで、15通りくらい色々試してみたりね。ベース、ヴォーカル、ギターはずっとこうやってきている。可哀想なドラマーは、1曲通して、あるいはほとんど通して叩かなくてはいけないのだけど。それがドラマーがクリエイティヴである力の源になるから。
Q:That’s a very interesting way of doing it.
JG:We were hesitant because we wanted to go in the studio but Mike wanted to do the drums at home. We’d been through all that with The Pack Is Back (1986) when the dynamic in the studio was the push and pull between Rob’s drums and Mark’s guitar which was then all of a sudden removed and the drums just went tok-tok-tok and it killed the feel on many of the songs. Anyway, he said ‘Send me some guitar stuff and I’ll show you what I can do’ and we got these three songs back and we were blown away. At that point I said I didn’t care if he had his mother’s panties on his head and his feet in a bucket of custard while doing this - just give us more PLEASE! So Mike sends the drum tracks and we went to work with a guy who unbeknownst to anyone else decided he would play producer taking out drum fills because he thought they were too busy and he made the huge drum fill in The Power sound like oranges falling down the stairs - every other hit was taken out and we hadn’t heard the original files so we thought Mike had played it terribly so we had to put a gap in. Mike came to the studio after a week because he was busy and said ‘What the hell happened to my drum fill?’ ‘Well what do you mean - its sucked!’ ‘ No it didn’t!’ says Mike and he sends us the original file of what he did and we said to this guy ‘How come it sounds like this from Mike and this from you?’ ‘Oh I don’ know...that’s really odd’. Yeah it was really odd and he was doing shit like that everywhere so we said ‘You know what? This ain’t working, thank you and goodbye’. We scrapped all that but in some sense it was a validation of what we were doing. We didn’t want bum-tap-bum-tap, we wanted to kick what we were doing into another dimension which is what we heard on those original three demos and than we can bounce off what he was doing. Then he has the ability to go ‘Oh that’s even better! I ‘ll change this bit here’ and it becomes almost like you are in the same room bouncing it off each other. That of course is the ideal way to do it but that’s time and money and it’s difficult to do that now. We did get to do a writing session; we played Japan and then went to China and after that flew back to L.A. and there we hired a studio, shot some video and wrote some songs and debated the songs we were going to do on the covers album. There was some really off-the-wall choices which were fun and we did a lot of work in a week and a half getting down some scratch guitar and vocals if I had lyrics. Five or six songs came out of that.
Q:それはとても面白いやり方ですね。
JG:スタジオに行ってやりたかったから、最初は躊躇していたんだけどね。マイクが家でドラムを録りたいと。同じことは『The Pack Is Back』でも経験した。それまであったロブのドラムとマークのギターの押し引きというダイナミクスが無くなって、突如クリックの音に合わせて演奏しなくてはいけなくなった。そのせいで多くの曲のフィーリングが失われたんだ。それはともかく、マイクが「ギターのトラックを送ってくれ。どんなドラムをやれるか試してみるから」ということで送られて来た3曲を聴いてぶっ飛んでしまった。その時点で、彼が母親のパンティを頭にかぶっていようが、カスタードのバケツに足を突っ込んでいようが構わないから、とにかくもっと送ってくれと頼んだ。それでマイクがドラム・トラックを送ってきたのだけど、エンジニアの野郎が誰にも言わずにプロデューサー気取りで、ドラムのフィルを削除してしまった。手数が多すぎると思ったらしく、巨大なドラムのフィルを、オレンジが階段を転がる音にしてしまったんだよ。音数が半分にされてしまっていて、俺たちはオリジナルのファイルを聴いていなかったから、マイクのプレイは随分酷いと思ってしまった。マイクは多忙で一週間遅れてスタジオにやってきたのだけど、「俺のドラム・フィルに何があったんだよ？」って。「え、どういう意味だ？これは最低だよ。」「いや、最低じゃないよ」とマイクは言って、オリジナルのファイルを送って来た。俺たちはエンジニアに、「何でマイクのファイルとお前のファイルは違うんだ？」と問い詰めたら「何でだろう、不思議だな」なんてしらばっくれやがった。まったく不思議だったよ。あの野郎は全部にクソみたいなことやりやがって、だから「わかるか？これは仕事なんかじゃない。サンキュー。さよなら」と言ってやった。結局全部ボツにしたのだけど、ある意味これで俺たちのやっていることがはっきりした。ドンタンドンタンなんていうのをやりたいのではなく、もっと別次元のことをやりたかったし、それは3本のデモで俺たちがやったことをマイクのドラムにぶつけてみたものだった。マイクは「これはさらにいいね。ちょっとここを変えてみるよ」なんていうこともできて、まるで同じ部屋でやりとりをしているみたいだった。もちろん同じ部屋でやるのが一番良いのだけどね。お金と時間の問題があるから。曲作りのセッションもやったし、日本でプレイして、その後中国にもいって、そこからLAに飛んでスタジオを借りて、ビデオを録って、何曲か書いて、どれをアルバムに入れるか話し合った。いくつか突飛なチョイスもあって、面白かったし、1週間でたくさんのことをやって、ギターや、歌詞があればヴォーカルのとっかかりもできた。この時に5-6曲できたよ。
Q:Another thing I’d like to ask you John is that when we were kids, it was basically Rock, Soul or Pop at school with Rock being Prog, Heavy, or Glam, etc - it was just Rock to us. Metal emerged but now Metal has fragmented into so many different Metal genres and I’ll be honest and say 95% of that sounds the same too me...
JG:Yeah it all sounds the same and it’s like fascistic. You know, ‘You can’t stand that way’ or ‘You are not supposed to play that guitar’ and this has been boiling for a while. When Mark was getting his health back together and we started doing a couple of festivals around 2005, we did Bloodstock and back then it was indoors and outdoors and the indoors one was in Derby. We came onstage and people were taken aback because...there were three of us! We were literally told that - that it was weird because there were three of us because it had to be five. You had to have two guitar players, you had to wear chain mail, wave a sword and all the songs had to be about Vikings. Half the people in the audience had plastic swords and helmets on; it was ridiculous, utterly ludicrous and you would read the message board and it was all ‘Raven...oh I don:t know about them guys...they didn’t have a lead singer...one guitar player...’ and all this shite. That has just got worse and worse and of course with the introduction of the extreme vocals which is like wrapping duct tape around the guitar strings and just keep hitting it. I honestly think there is a subset of the general public that like Heavy Rock but are literally tone-deaf so it doesn’t matter if someone is playing Smoke On The Water or some noise, as long as it’s powerful, noisy with a beat. I hear some bands and I don’t honestly understand what they are playing. There’s an opening and then the guy comes in growling, there’s no melody, no riff, the sounds are horrible and the drummer is usually going ape-shit which is probably the only thing you can hear.The solos can be wonderful on a technical level but it’s like somebody reciting the dictionary to you at 500 words a second.
Q:私たちが子供の頃は、ロック、ソウル、ポップがあって、ロックはプログレであれ、ヘヴィであれグラムであれ、すべてただのロックでした。今はメタルの中でもやたらと細分化されていますが、正直95%は同じに聞こえるのですが。
JG:確かに全部同じに聞こえるよ。まるでファシズムのように、「そういうやり方はダメだ」とか、「あのギターはプレイしてはダメだ」とか。2005年にマークの体調が回復して、いくつかのフェスに出た。ブラッドストックにも出て、当時はインドアとアウトドアでやっていて、インドアの会場はダービーだったんだ。俺たちがステージに出ると、みんな驚いていた。俺たちが3人編成だからさ！3人だから変だ、5人いないとって実際に言われたんだよ。ギターが2人いないとダメだ、鎖帷子を着ていないとダメだ、剣を振り回してヴァイキングについて歌わないとダメだ。観客の半分がプラスチックの剣を持ってヘルメットをかぶって、本当にバカバカしくてね。「レイヴン？知らないな。リード・シンガーもいないのか。ギター・プレイヤーは1人だけなのか」なんていう雰囲気で。状況は悪くなる一方で、ギターの弦にガムテープを巻いて叩いてるみたいなエクストリーム・ヴォーカルも出てきたし。ヘヴィロックが好きな人たちもいるのだろうけれど、「Smoke on the Water」をプレイしているのか、それともただのノイズを垂れ流しているのか構わないような、ビートのあるパワフルなノイズならそれで良いという、文字通り音痴の人もいる。何をプレイしているのか、正直理解できないバンドもいる。イントロがあって、グロウルのヴォーカルがあって、メロディもリフもなくて、酷い音でドラマーが狂ったようにプレイするだけ。ソロはテクニック的には素晴らしくても、まるで誰かが一秒間に500語の速度で辞書を読み上げているような感じ。
Q:I have to agree with all that.
JG:Yeah there:s not telling a story, they are not giving any emotion it7s :Look at me and how fast I can play’. In the greatest excesses of Jazz-Rock and Fusion, nobody ever got to that. People used to accuse ELP of that but that’s ridiculous; some of the greatest music ever written. It’s like the emperor’s new clothes, you know, ‘These guys are a great band’. No they’re not - they suck! (laughs)
Q:それには同意せざるを得ません。
JG:ストーリーもなければ感情もない。ただ「見てくれ、こんなに速くプレイできるんだ」というだけ。ジャズ・ロックやフュージョンではそんなことはなかった。ELPをそんな風に糾弾する人もいたけれど、バカバカしいよ。あれは最高の音楽の1つさ。いずれにせよ、そういうバンドは裸の王様さ。「彼らは最高のバンドだ」って？いや、まったく、最悪のバンドだよ（笑）。
Q:I’m with you all the way on that John. As ever, always good to talk to you and we’ll catch up again soon.
JG:You bet mate, great to hear you.
Q:まったく同意します。ありがとうございました。また近々お話させてください。
JG:もちろん。楽しかったよ。
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